Esto es una Prueba

Si sabes escuchar, susurra.

Criticoneando a El Arca Rusa(2002), de Alexander Sokurov

Al igual que la mayor parte de los espectadores, el motivo que me condujo hacia esta pelicula resulta ser el larguisimo plano secuencia del que está compuesta, aspecto que es empleado como slogan publicitario junto a las 3 orquestas en vivo y los 2000 actores y el Hermitage, cosas que finalmente, como la mayor parte de lo que resulta atractivo para la publicidad, no es más que mera parafernalia.
En lo técnico es impecable y quizás lo más reprochable al respecto resulta ser lo caprichoso del proyecto, una apreciación meramente moral, paradojalmente, un tema recurrente del realizador según tengo entendido.
Autoconsiderado como discípulo de Tarkovsky, a diferencia de éste (al menos en esta película), Sokurov no entrega una postura clara, propia sobre el mundo, la única sensación que parece transmitir constantemente, es de lo maravilloso que era la nobleza rusa con su opulencia y grandeza y su elegancia refinadísima (sentimiento que se apoya en cierta forma por el movimiento de ensueño de la cámara) o qué se yo, por otro lado, vemos un mesurado conflicto que ocurre entre el narrador (un ruso contemporáneo) y una caricatura de un noble francés "amante del arte", que nos da a entender del aprecio que siente Rusia por Europa y el trato indiferente por parte de éste, cosa que de verdad, me parece mero resentimineto nacionalista (parecerá prejuicioso por mi parte, pero constantemente en las entrevista Sokurov suele victimizar a los rusos, o referirse a ellos como ejemplo a seguir).
En resumen, mi apreciación de El Arca Rusa es que se trata de una obra de gran belleza visual y auditiva (aunque considero que la voz del off fue mal aplicada, quedando fuera de lugar en términos estéticos), pero no es más que una elegante belleza hueca, como presenta cierto tipo de persona que intenta lucir interesante, pero precisamente no tiene nada interesante que decir. Pasiva en lo intelectual, que no otogará una nueva forma de pensar ni de ver el mundo, y pasiva en lo emocional, sin poseer ninguno de aquellos instantes que conmueven hasta lo más profundo por su encantadora ingenuidad o que llegan a estremecer por su inexplicable naturaleza.

¿Que pasa con el cine de animación aquí en chile? [[ 1 ]]

Por GAbriel Alarcón

Puede que aun sea un simple estudiante de cine, pero desde pequeño siempre me gustaron las películas y en especial las animadas, quizás porque cuando niño te llamaban mucho la atención (de hecho son para niños), pero con el tiempo las seguí observando y empecé a calificarlas.

Para mi es muy importante el debate y a mi juicio jamás se a producido uno sobre el cine de animación chileno, siempre están hablando de Ruiz, de Litin o de cómo el cine comercial se come un arte aquí en chile, esas propuestas no son descartadles, pero si vamos a hablar de cine, miremos su producción completa y veamos la propuesta completa del país.

Es imposible dejar de mirar que es lo que se esta haciendo en cuanto a animación aquí en chile, en los diarios no se habla mucho y en Internet cuando uno busca alguna buena critica a un largometraje animado chileno te salen unos “pasteles” que dicen:

- no muy bonito vaya con la familia.

Ni siquiera en lafuga.cl encontré algún ensayo o critica sobre el cine de animación, pareciera que los cineastas chilenos que creen que están trabajando por el cine se limitan tan solo a atacar al Rumpi por su película y hablar de documentales que realmente no influyen mucho, porque están más escondidos que la plata de la familia pinochet.

No es por atacar, pero en serio me preocupa demasiado esta situación, no me gusta escuchar a gente llenarse la boca de palabras y decir “yo lo hago todo” siendo que solo te limitas a tomar solo un punto de todo la materia. Si criticas, critícalo todo y no te reduzcas a decir que no vas a analizar una película animada por que tan solo es para niños, pues hace pedazos por que están gastando los recurso donde se pudo haber hecho una gran película y te muestran esa mierda, y tu haciendo un corto y endeudado hasta los pies.

Andy Warhol: Vida y Análisis de Su Obra

Por: Ricardo Salcedo Martínez
(bazilisco 3)


Biografía:

A principios del siglo veinte, Andrej Warhola y Julia Zavacky emigran
a Estados Unidos y crean un hogar en Pittsburgh, Pennsylvania. Su
hijo, Andrew Warhola nace el seis de Agosto de 1928. Su primer lugar
de residencia es la casa de sus padres, Calle Orr 73. Crece como un
niño normal, aunque enfermizo, hasta la muerte de su padre en 1941. El
trauma de perder a su padre a tan temprana edad (tenía solo 13 años)
le seguirá toda su vida. A raíz de esto desarrollara un miedo casi
patológico a la muerte y esto, combinado con su infancia enfermiza,
producirá un ser paradójicamente hipocondríaco y desconfiado de los
doctores y la medicina tradicional. En Junio de 1949 se gradúa del
"Carnegie Institute of Technology" en Pittsburgh. Acto seguido se va a
Nueva York donde trabaja ilustrando revistas de prestigio como eran
"Vogue", "Hapar's Bazaar" y "Glamour".

En 1952 le ofrecen su primera exhibición individual en la Galería Hugo
en Nueva York. A inicios de los años sesenta Warhol empezó a pintar
objetos de producción en masa, productos banales por su cotidianidad
pero venerados por su status de iconos universales en la sociedad
americana. En 1962 presentó su obra maestra de "objetos cotidianos",
las Sopas Campbell, en "Ferus Gallery", Nueva York. Lo más reconocido
del trabajo de Warhol (desde las botellas de Coca Cola hasta las
serigrafías de Marilyn Monroe) se dio durante los años sesenta y fue
producido en su estudio de "The Factory". "The Factory" era conocido
como un estudio donde entraban y salían artistas, donde Andy creaba
sus "estrellas desechables", en fin, un lugar seguro para crear. Este
continuo trabajar artístico, casi industrial, tuvo un abrupto final el
3 de Junio de 1968 cuando Valerie Solanas, una feminista y ex
colaboradora de Warhol lo intentó asesinar. Warhol fue hospitalizado
después de recibir tres balazos de Solanas. Después del incidente
nunca se recupero del todo, física o psicológicamente. Sus heridas
sangraron a menudo incluso años después, se volvió desconfiado,
temeroso, "The Factory" se empezó controlar más y esto coartó el libre
movimiento de artistas que había existido anteriormente.

En los años setenta Warhol se retrajo a retratar artistas y políticos
famosos, salió un poco del foco de atención de los medios de
comunicación y trato de vivir una vida más retraída, en parte por el
trauma que había sido para él su atento de asesinato. También se
dedica a proyectos en los cuales él no se tenga que involucrar
directamente, como producir películas. Pública libros como, "The
Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)", sus obras se
vuelven más ambiciosas del punto de vista técnico (como Hammer and
Sickles o Maos), y produce mucho aunque menos públicamente y se
desínvolucra de las "estrellas desechables" que tanto le habían
fascinado durante los años sesenta.

En la última década de su vida Andy Warhol trabajó incansablemente en
proyectos similares a los que tenía encaminados ya desde los años
setenta. Pública POPism: The Warhol 60's, un libro reflexivo en el
cual explica lo que fue su visión del mundo en los años sesenta y que
lo llevó a producir el arte que producio. Produce dos series de
televisión "Andy Warhol Television" (1982) y "Andy Warhol's Fifteen
Minutes" (MTV, 1986). Su arte pictórico regresa a sus orígenes (hace
de nuevo publicidad), trabaja sobre autoretratos, le fascina la
imaginería del renacimiento y trabaja sobre "la Última Cena" de
Leonardo da Vinci y "la Madonna" de Rafaél. Todo esto más la serie de
obras denominada "Camouflage", muestran a un Andy muy activo,
produciendo más en lo píctorico de lo que había hecho en años.

Su vida acaba abruptamente en 1987 cuando, durante una operación
rutinaria de vejiga, le da un ataque cardíaco. Sus representantes
legales procedieron a demandar al hospital de Nueva York, el cual
termino pagando una indemnización fuera de corte por un monto que no
compartieron con el público. El funeral de Andy Warhol se considera
como su última gloriosa manifestación de fama, la multitudinaria
ceremonia contó con más de dos mil personas.

Los Años Sesenta (contexto):

Los años sesenta son años de bruscos cambios en Estados Unidos. A
inicios de la década se crea el Comité de Coordinación de Estudiantes
Para Manifestaciones no Violentas, o SNCC por sus siglas en inglés.
Este giro radical del status quo de los cincuenta (en el cual los
jóvenes y alumnos no tienen ni voz ni voto) marcará claramente el
inicio de una década protagonizada por la juventud. Esta, cansada de
los sistemas imperantes, luchará por igualdad racial, peleará por
librarse de los prejuicios de sus padres y manifestará contra todo lo
que fue criada. Es en este contexto que se desenvuelve Andy Warhol, en
un momento histórico marcado por la violenta ruptura con los sistemas
imperantes que vuelve necesario y primordial el concepto de la
libertad. Libertad para las mujeres (se funda NOW, organización para
los derechos de la mujer ), la gente de color (se pasa una de ley
proyectos anti-discriminatorios ), los homosexuales, en fin,
cualquiera que en el paradigma anterior haya sido catalogado como
"distinto". Esta libertad permite a Andy expresarse de una manera
antes imposible e influye mucho en su obra pictórica y
cinematográfica. Sus películas ahora pueden mostrar explícitamente su
homosexualidad y erotísmo, ¿pero que fue lo que impulso a que se pueda
dar esta "Revolución de las Flores" como fue después nominada? Para
Andy, la respuesta esta en los medios de comunicación. Sea la
televisión mostrando imágenes de la guerra de Vietnam a los jóvenes
estadounidenses e incentivandolos a participar en contra (por
solidaridad o por miedo), o sea la propaganda buscando que compres
Coca Cola o sea el cine enamorandote de Marilyn Monroe, la
comunicación en masa había logrado algo jamás antes posible: suscitar
reacciones simultaneas en millones de personas con un mismo estímulo.
Esta democratización de la información, que se tradujo en mayor
organización de grupos para luchar por sus derechos, es para Andy
imprescindible traducirla también en democratización del arte,
haciendo un arte para (y de) todos creado industrialmente como todo lo
demás que le rodea. Andy intenta ver el mundo como imágenes que están
viendo todos, como Coca Cola por ejemplo, pero que a pesar de ser
seriados siguen siendo únicos para cada uno.

The Factory:

"The factory", localizada en el quinto piso, numero 231 en la calle
47 Este, del medio Manhattan fue desde el año '62 el Studio de Warhol
y aunque cambio de local en el '68, mantuvo siempre el nombre. Los
trabajos más legendarios de Andy y su grupo se realizaron el local
original. Aquí es donde Andy hizo y deshizo estrellas, siguiendo
siempre su estética de lo bello como deshechable. El concepto de
"estrella deshechable" era simple, se trataba de gente que era llevada
a la fama por Warhol y luego olvidada. Era como un experimento a
pequeña escala de lo que sucedía realmente en Hollywood. La vida como
plástica, superficial y efímera no solo le era evidente a Warhol sino
que le excitaba y le fascinaba. "Todo es plástico, pero amo el
plástico. Yo quiero ser plástico" solía decir Andy, y esa era su
actitud frente a "the factory", gente de plástico que el manipulaba a
su antojo. Esto no quiere decir que no pasaran por sus puertas
personajes de verdadero talento, que los había muchos. Ejemplos claros
de estos son: Mick Jagger, Truman Capote , Gerard Malanga, Nico, Edie
Sedwick, Joe Dalessandro, Ultra Violet , y muchos más. El grupo de
música "Velvet Underground", liderado por Lou Reed, fue el grupo de
música "no oficial" de "The Factory" y aunque no tuvo gran acogida
inmediata logró una gran fama en la posterioridad e influenció a
decenas de bandas. El objetivo de "The Factory" no era ni el arte en
sí, ni el cine, ni el escándalo, estos eran tan solo medios para
conseguir su única meta real: la fama. Lo que ahí detrás de "The
Factory" es nada más que eso, fama deshechable, plástico, arte
seriado, un chiste en sí mismo pero no por eso de menor valor. Si le
fueran a preguntar a Andy el punto de todo eso seguramente diría "ja
ja ja".


Análisis de Obra Pictórica:

"Todos tienen su propia América, y luego tienen piezas de una América
fantástica que ellos piensan está allá afuera, pero que no pueden
ver", escribió Warhol en los años ochenta. Esta concepción del
mundo, que llevaba Andy desde su infancia, es la esencia de su arte
en general y a inicios de los sesenta en particular. Las Sopas
Campbell muestran como miles de personas ven los mismos objetos
gracias a la seriación, y aunque los vean de manera ligeramente
distinta están sujetos a un mismo estímulo. La propaganda permite ese
mismo fenómeno y no solo en cuanto a un mismo estímulo sino que
incluso al mismo tiempo (fenómeno de la simultaneidad). Al introducir
este nuevo elemento (el del tiempo) Andy se da cuenta que puede crear
realidades paralelas (las del espectador) pero unificadas por un mismo
significante que va (de manera totalmente fascinante) cambiando de
significado. Las serigrafías de Mao, Albert Einstein o Marylin Monroe
muestran como es posible ver lo mismo y algo distinto simultaneamente
(incluso viendolo al mismo tiempo), dependiendo de los ojos del
espectador. Cada cual arma su propia fantasía y lo único que pretende
es dar un empujón a la imaginación de cada uno.

Análisis de Obra Cinematográfica:

Andy Warhol produjo treinta y seis películas en su vida y dirigió
sesenta y nueve , muchas de ellas con la ayuda de Paul Morrisey. Los
estudios de Andy nunca fueron dirigidos al cine, y eso se hace muy
evidente en sus películas. Andy empezó a valerse del cine como medio
para transmitir su mensaje artístico en 1963, con la legendaria
película "Sleep". En estos tiempos Andy solo ve el cine como un medio
más exacto que cualquier otro para retratar la realidad, una extensión
de lo que es su obra pictórica. Esto queda claro con su primera
película, Sleep, que no es más que cinco horas de John Giorno
durmiendo. El hecho de que toda la película esté hecha en un mismo
plano es la señal más obvia que esto no es una película sino mas bien
una "obra de arte en movimiento". No tendría ningún sentido para el
espectador común ver una película como "Sleep" o "Empire" entera, pero
si esta se deja en el fondo y los espectadores tienen la libertad de
ver partes de ella mientras vienen y van (como una obra pictórica)
estas películas (y lo que quería hacer Andy) adquiere sentido. Este
estilo de películas como obras pictóricas está aun presente (en una
escala muy reducida) en sus películas posteriores y se nota a través
del uso (reducido) de una sola toma recurrente y larga. Este efecto es
usado, por ejemplo, al principio y al final de "Flesh" de Paul
Morrissey.

A finales de los sesenta y a inicios de lo setenta los intereses de
Andy para con el cine fueron evolucionando. El traumático atentado
contra su vida dejó a Andy mucho más paranoico que antes y los videos
libres "a lo amateur" que había grabado tanto en "The Factory" durante
los sesenta llegaron a su fin. Esto significó un cambió radical en el
rol que decidió Warhol asumir frente al cine, ya no será más un
director (dirigió solo tres películas después de los sesenta), ahora
será productor. Gracias a su instinto auto crítico, Andy estaba
conciente que él no tenía los conocimientos cinematográficos
necesarios para grabar una película convencional él solo, además, no
le interesaba hacerlo. Para llevar acabo sus nuevos proyectos recurrió
al cineasta Paul Morrissey quien ya había colaborado mucho con Andy en
los sesenta, y que en los setenta dirigió la trilogía protagonizada
por Joe Dallessandro "Flesh", "Trash" y "Heat". Se ve en estas
películas (y otras que él produjo) una clara presencia de la estética
de Warhol. Ejemplos de esto: dejar que la realidad se permee en el
film haciendo evidente que estás viendo una película, usar actores no
profesionales, diálogos rebuscadamente malos, y una estética que
recuerda al pop-art inicial de Warhol.

Análisis de "Flesh" (1968):

La película "Flesh" (1968) inicia con una secuencia de títulos
escritos a computador que, primero, nos introducen a una película "de
Warhol" (aunque la dirigió Paul Morrissey) y segundo, hacen aparente
un marcado sentido estético desde el inicio. El hecho de usar títulos
de este tipo (y no otros) deja en claro una referencia a lo que es la
adoración por la producción en masa típica de Warhol. Más que títulos
de inicio estos parecen un código de barra que marcan el número de
serie del film, que en efecto será el primero de una trilogía.

La primera escena de la película es la simple imagen de un hombre
durmiendo. Con camara estática y sonido relativamente simple se
muestra a este hombre en una sola toma, cambiando rara vez de plano,
como si la película misma estuviera somniolenta. Recuerda a la primera
película de Warhol, "Sleep", pero solo como referencia o corto
homenaje. El segundo elemento que llama la atención fuertemente es la
edición. Cada corte es notable, tanto sonora como visualmente y está
claro que no se intenta "esconder" los cortes como en el cine clásico
de Griffith. Mas bien, y seguramente influenciado por la "nouvelle
vague" francesa, cada corte es evidente al espectador. A diferencia de
esta, en cambio, el cine de Warhol no marca ritmo con sus cortes, ni
busca nada más que recordar constantemente al espectador que está
viendo una película. Tanto así que si quitaras el cuadro en blanco
entre cortes y el desfase de sonido producido en consecuencia "Flesh"
se vería, en cuanto a la edición, como una película completamente
"clásico-normal" y los cortes bruscos se verían como fallas y no
méritos.

El recuerdo constante que se esta viendo una película no se hace sólo
a través de la edición sino también de la actuación. Los diálogos son
deliberadamente burdos y cliché, la forma en que los actores dicen sus
líneas también y su actuación es siempre muy transparente. Se sabe que
no son actores pero si que están actuando, es decir, que son personas
comunes no capaces (o sin voluntad de) engañar al público a creer una
realidad ficticia de la manera que lo haría un actor profesional. Esa
es la esencia del arte de Warhol, que este se demuestre a si mismo
como tal y no pretenda ser otra cosa. La autenticidad es muy
importante para él y si hay algo que logra con este film es,
justamente eso, ser auténtico. Sabe que el film es falso y aun así, en
vez de esconderlo, lo admite libremente. ¿Cómo logra transmitir esta
"confesión" estética? La respuesta es a través de elementos como
mantener la cámara fuera de foco, el sonido granulado, y otros
"errores" estratégicamente situados para cumplir esta función central.
Nunca trata de "engañar" al espectador haciendole creer una realidad
fuera de la suya. La realidad es la de un grupo de personas haciendo
una película y en esta suceden eventos ficticios, escritos por alguien
en particular e interpretada por personas de carne y hueso. Los
actores son actores (es decir, ellos mismos actuando), no personajes.
No es coincidencia que los tres personajes que interpreta Joe
Dallessandro en "Trash", "Heat", y "Flesh" se llamen Joe también,
aunque con distinto apellido. Andy, como en toda su obra, está
poniendo en evidencia que este no es el mundo real, es arte, nada más.

Aun teniendo esto en cuenta, no obstante, no podemos dejar de ver el
contenido social de la obra en cuestión. Esta película muestra como
vive una parte de la sociedad americana y trata de poner en evidencia
un submundo antes reprimido, lentamente "liberado" por los factores
socio-políticos de los sesenta antes expuestos. El sexo es tratado
como algo banal, cotidiano. Se pierde el feroz taboo de los cincuenta
frente a la sexualidad pero también la dimensión espiritual que esta
podría tener. La homosexualidad queda normalizada, la promiscuidad
aceptada como una forma más de vivir, la prostitución como un método
más de ganarse la vida. La mentalidad de Warhol nos hace dudar que él
realmente este haciendo un juicio de valor frente a esta realidad, no
la crítica pero tampoco hace lo contrario, simplemente la constata.
Dado a que esta era la realidad del mundo en el que vivía Warhol cabe
pensar que este estaba de acuerdo con ella, pero eso no está explicito
en el film. Es más, si se puede hablar de un factor netamente
glorificado por Warhol en "Flesh", únicamente sería el de la propia
figura humana y en particular del hombre.

A propósito de la glorificación del hombre, Andy acentúa varias
imágenes claves muy representativas. La primera de ellas es la de Joe
posando como estatua griega para un "artista", a cambio de un plato de
comida y algo de dinero. La segunda es la de Joe y su hijo, hombre y
niño desnudos compartiendo un momento en el cual se les ve como
iguales en cuerpos disparejos. Este regreso irresponsable y descuidado
a la niñez suscita en el espectador la emoción de un anhelo reprimido
y al mismo tiempo el repudió y el horror frente a la propuesta de un
decaimiento total de la sociedad. El padre y el hijo no pueden ser
iguales, este tiene que ser superior para que el hijo lo pueda superar
y así se pueda dar el progreso en la sociedad. Además, en esa
propuesta, ¿quién los cuida? La inocencia y debilidad frente al mundo
se puede ver muy bien como propuesta artística en una película, pero
como propuesta social de regresar a ese estado es enteramente
repudiable. Andy está conciente de los sentimientos encontrados que
esta escena va a causar y justamente por eso la incluye.

La película, como el arte de Andy, termina de manera palindrómica. El
final es el mismo que el comienzo y si fueras a ver la película al
revés tendría exactamente el mismo sentido. Aquella imagen final de un
hombre durmiendo quizás sea representativa de todo lo que fue este
siglo XX para Warhol (siglo tan influenciado por él). Quizás en
paralelo a esta película, toda la obra de Andy no fue más que un
hombre dormido a esperas a de que empezará, quizás eso era para él la
vida, quizás allí estaba el chiste que solo unos pocos entendieron y
supieron reír con él.

La apertura

Bienvenidos a el blog donde encontrara las opiniones más bizarras sobre el cine chileno y mundial.


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Juan Tapia
Ricardo Salcedo
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